— 01.12.25
Русский авангард — уникальное и многогранное явление, навсегда изменившее облик искусства XX века. Мир смелых экспериментов и художественных исканий, пронзающий мрак традиций, открывается перед зрителями на выставке «Наш авангард», в Русском музее Санкт-Петербурга. Максимально подробная и глубокая история великого отечественного наследства, которое должен увидеть каждый. Наша статья станет проводником в темном царстве смелых идей и техник, ключевых фигур и движений русского авангарда. Этот материал будет полезен как тем, кто пришел просто насладится работами великих авангардистов, так и тем, кто хочет построить у себя в голове хронологию русского авангарда
визуальный навигатор по выставке “Наш авангард”.
КАРТА РУССКОГО АВАНГАРДА.
Кузнецов Андрей — иллюстрация к статье «Войнпа с дурью». Пример лубка.
Вдохновляясь Востоком, художники обращают свое внимание на восточный стиль жизни, где глаз человека обращен на собственное ощущение, а не реальный мир. Детское творчество также наталкивает на инфантильность, создание новой реальности, которое выражается в творчестве в виде гипертрофированных, непропорциональных форм, неуклюжей и как будто непродуманной композиции и наивной сказочности мира. Возвращаясь к внутреннему, художники обращались к первоэлементам живописного языка: линиям, пятнам и точкам. В рамках примитивизма художники занимались переосмыслением привычных и традиционных образов, мотивов и сюжетов. Они стремились к простоте и избавлялись от всех возможных формальностей, играя с цветом, формой и композицией.
Самое раннее направление русского авангарда [начало 1907−08 г. г. — конец около 1913 г.], вдохновленное народным искусством, искусством Востока, древними цивилизациями, детским творчеством. Основная суть примитивизма заключается в переосмыслении культурных кодов и обращение к фольклорным образам, иконам и лубкам.
Примитивизм.
В сезаннизме акцент строится на классических жанрах [портрет, пейзаж, натюрморт], но академизм остается позади. Контрастность цветов — главный инструмент, позволяющий понять саму сущность объекта. Цвет заменяет детализацию картин, упрощает ее внешний вид, светотень остается в прошлом. «В живописи нет света, есть только цвет». Мазки и пятна сами создают основу, подчиняются особо ритму. «Становление живописи превращается в становлении мира».
Вдохновение творчеством Поля Сезанна породило на свет в 1912 году новое течение — сезаннизм, который заключается в глубоком познании окружающего мира и его процессов, а именно в детальном изучении объема, структуры и весомости. По сути направление представляет из себя приверженность идеям Поля Сезанна и их переосмысление. Это течение тесно саязано с художниками группы «Бубновой валет»: Кончаловским, Машковым, Ларионовым, Гончаровой, Рождественским и Куприным.
Сезанизм
Кубизм — геометрически выстроенная живопись, впервые возникшая в 1908 году во Франции в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Главным стимулом развития кубизма стал призыв Поля Сезанна, заключавшийся в трактовке «природы посредством цилиндра, шара, конуса». В творчестве русских художников теория кубизма заключалась в изображение объекта с нескольких точек зрения. Яркий пример — картина Давида Бурлюка «Мост. Пейзаж с четырех точек зрения». Такое подробное исследование предметов позволяет глубже понять их суть, будто ты видишь одновременно и внешнее, и внутреннее. «Победа над временем и пространством как бессмертие. Появились уже люди, видящие глазами ангелов, совмещающие в одном миге пространство и время» — Елена Гуро.
Интерпретация пространства и времени была важной проблемой в живописи XX века. Благодаря экспериментам художников и их желаниям сформировать новый язык искусства академические основы утратили свое значение и ценность. Ломание перспективы и исследование пространственно-временных измерений стояли выше всех традиций и правил прошлого.
Кубизм. Геометрия в искусстве.
"Мы не можем победить природу, ибо человек - сама природа"
Также важно отметить главное отличие русского футуризма от западного: русские авангардисты не отвергали природу и не ставили технологический прогресс выше ее, а наоборот выступали за погружение в ее стихийную сущность и не отходили от своей же природной сущности.
Футуризм [итал. futuro — будущее] - возникшее в Италии в 1909 году течение, исследовавшее динамику и скорость времени. В русском авангарде футуризм остался лишь отголоском современности [1912−1914], художники даже не называли себя «футуристами» и заменяли на «будетляне» или «будущники».
«Всякое движение разрушает форму» — фраза Давида Бурлюка, описывающая саму суть движения. Творцы ставили перед собой задачу запечатлеть момент таким, каким его видит глаз человека, то есть динамичным и энергичным. Смещение контуров, наложение объектов друг на друга, экспрессия цвета и мазков — это малая часть из возможных инструментов футуристической живописи. Из-за обилия элементов картины в буквальном смысле зомбируют своей глубиной. Футуризм представляет из себя синтез искусства и психологии, потому что такое искусство передает чувство надвигающегося хаоса и паники от быстроты современной жизни.
«Всякое движение разрушает форму» — фраза Давида Бурлюка, описывающая саму суть движения. Творцы ставили перед собой задачу запечатлеть момент таким, каким его видит глаз человека, то есть динамичным и энергичным. Смещение контуров, наложение объектов друг на друга, экспрессия цвета и мазков — это малая часть из возможных инструментов футуристической живописи. Из-за обилия элементов картины в буквальном смысле зомбируют своей глубиной. Футуризм представляет из себя синтез искусства и психологии, потому что такое искусство передает чувство надвигающегося хаоса и паники от быстроты современной жизни.
Футуризм. Будущее в искусстве.
Кубофутуризм — наиболее русское направление авангардистской живописи, возникшее в 1912 году. Представляет из себя синтез кубизма и футуризма, основанный на исследование времени и пространства, но уже объединяя в себе несколько разновременных событий. Такой всесторонний подход выражает специфику современного взгляда человека, то как мы запоминаем моменты прошлого и видим будущее.
Сюда же относится живописный алогизм, отображающий работы Малевича. Картина «Корова и скрипка» является манифестом начала алогизма. На обороте холста автор пишет: «Алогическое сопоставление двух форм — „скрипка и корова“ — как момент борьбы с логизмом, естественно, мещанским смыслом и предрассудком».
Сюда же относится живописный алогизм, отображающий работы Малевича. Картина «Корова и скрипка» является манифестом начала алогизма. На обороте холста автор пишет: «Алогическое сопоставление двух форм — „скрипка и корова“ — как момент борьбы с логизмом, естественно, мещанским смыслом и предрассудком».
Кубофутуризм. Объединение.
Абстракция — свободный полет фантазии художника, его эмоций и духовной составляющей. История данного направления началась с Кандинского, с его свободных линий, форм и цветовых решений. Главная задача такого искусства — выражать «внутренне-необходимое, нематериального в противовес внешнему, случайному». Кандинский любил сравнивать живопись с музыкой, самой духовной стороной искусства. Он поддерживал дружеские отношения со многими отечественными и немецкими композиторами, сравнивал выразительность звука с цветом, изучал метод «цвето-звуко-чисел» теоретика музыки Александры Захарьиной-Унковской. Такая связь выражала идею о разрушении границ возможного и уничтожении жанрового деления в искусстве. Бессюжетность картин противопоставлялась с их внутренней душой, вложенным авторским чувством. Кандинский называл это живописным контра-пунктом — «каждая из несколько самостоятельно звучащих «мелодий» стремится найти, подобно музыкальному тону, прямой доступ в душу.
Русские авангардисты оценили подход Кандинского и абстрактность действительно пришлась по душе многим. Например, Михаил Ларионов придумал свою беспредметную живопись — лучизм. В XX веке роль науки в искусстве была колоссальной, поэтому изучению физических, математических, геометрических и т. д. концепций и законов придавали большое значение. Так теория Чарльза Хинтона о том, что человеку после некоторых упражнений доступно четвертое измерение легла в основу концепции Ларионова — «расширенное смотрение», то есть возможность воспринимать окружающий мир на 360 градусов. Извлекая пространственную форму, возникающую на пересечении лучей, он изображает нераспознанную реальность, то, что не видит обычный человек. «Лучизм — учение об излучаемости; Это передача ощущений бесконечного и вневременного».
Русские авангардисты оценили подход Кандинского и абстрактность действительно пришлась по душе многим. Например, Михаил Ларионов придумал свою беспредметную живопись — лучизм. В XX веке роль науки в искусстве была колоссальной, поэтому изучению физических, математических, геометрических и т. д. концепций и законов придавали большое значение. Так теория Чарльза Хинтона о том, что человеку после некоторых упражнений доступно четвертое измерение легла в основу концепции Ларионова — «расширенное смотрение», то есть возможность воспринимать окружающий мир на 360 градусов. Извлекая пространственную форму, возникающую на пересечении лучей, он изображает нераспознанную реальность, то, что не видит обычный человек. «Лучизм — учение об излучаемости; Это передача ощущений бесконечного и вневременного».
Абстракция.
Экспозиция Казимира Малевича на выставке '0,10'.
В 1916—1917 годах Ольга Розанова открывает для себя свой собственный вариант «супрематического минимализма» — цветопись. В отличие от Малевича, она выстраивает свою живопись на основе сопряжения красок и форм друг с другом. Композиция цвета становится главной целью ее живописи: «преображенный цвет становится для Розановой главным выразителем новой духовности». Такой подход изучает свойства цветов и их способности к взаимодействию без смешивания. Работы напоминают технику коллажирования: каждый цвет имеет свою форму и расположение, освобождающие его от чуждых элементов и отделяющие от реального мира. Такая самостоятельность и обособленность цвета позволяет выявить его природную сущность, характер и глубину. Цветопись Розановой заставляет нас усомниться в наших знаниях об окружающем мире, так как она раскрывает привычные нам цвета с их обратной, невидимой стороны.
Беспредметность Малевича выражается в исследовании тех же пространственно-временных связей, но для упрощения прочтения идей он использует привычные геометрические формы — квадрат, круг, треугольник, крест и прямоугольник. В последствии Казимир Малевич придумает собственное название для своей живописи — супрематизм, философия которого заключается в отказе от изображения конкретного образа. «Черный квадрат» является главным символом супрематизма Малевича и наиболее ярким примером прямолинейности и простоты в искусстве. Как говорил сам автор, квадрат построен «в пятом измерении» и «это последняя супрематическая плоскость на линии искусств, живописи, цвета, эстетики, вышедшая за их орбиту». Петр Успенский считал, что «пятое измерение» — это та высота, на которое должно подняться сознание, чтобы увидеть прошедшее, настоящее и будущее одновременно.
Беспредметность. Смысл в пустоте.
К сожалению, оригиналы работ Татлина не сохранились и все, что мы можем увидеть лишь реконструкции. В Русском музее представлено одно из ключевых произведений — памятник III Интернационала [Башня Татлина], символ конструктивизма и начала футуристической архитектуры. Также в основу идеологии башни легла история Вавилонской башни, разрушение которой привело к смешиванию языков и потери единства. Башня Татлина должна была стать новым символом объединения человечества и победы в революционной схватке народа и власти в 1917 году.
В противовес беспредметного искусства Казимира Малевича принято ставить концепцию «материальной культуры» Владимира Татлина. Философия его идей заключалась в исследовании и познании реального мира. Его работы фокусировались на физическом присутствии в пространстве и раскрывали красоту окружающего мира. Живопись не стала для Татлина главным инструментом трансляции собственных идей. «Острый интерес к материалу, непонимание дальнейшего пути в живописи и жажда новаций» привела художника к материальному искусству. Творчесство Татлина можно разделить на несколько этапов: 1 — трехмерные произведения, где материал был единственным содержанием; 2 — «живописный рельеф», где основой становились максимально типичные и не отличающиеся особой красотой материалы, создававшие иллюзию столкновения различных фактур или, как называл это Владимир Марков, «шума фактур»; 3 — контррельефы, то есть выход рельефов в «их реальное пространство, отрыв от плоскости». Татлин называл свою концепцию «мышлением материалоформой», цель которой состоит в изучение материалов, их возможностей и в стремлении создать полезное искусство.
Татлин. Архитектура будущего.
“Искусство обрабатывало новую реальность, пыталась включить в себя всеобщую механизацию, достижения науки, достижения нового этапа цивилизации”.
Башня Татлина стала первой и основной причиной появления данных течений. Конец Октябрьской революции 1917 года привил художникам новые цели, заключающиеся в понимании нового метода и в выявлении новых возможностей станкового искусства. «Призыв к ясности и лаконичности вопреки хаосу военного времени, стремление к предмету, а не к его уничтожению, трепетное отношение к материальному, противостоящее мистической эсхатологии — это и есть дух начала 1920-х годов».
выставка ОБМОХУ, 1921 год.
Образование «Рабочей группы конструктивистов» в марте 1921 года положило начало русского конструктивизма. В нее входили Родченко, Степанова, Карл Иогансон, братья Стенберги, Медунецкий и Алексей Ган. Группа объявила смерть живописи и назвала ее буржуазным пережитком прошлого. Основные принципы нового направления: функциональность, простота форм, использование совершенно новых материалов [бетон, стекло, металлические сетки и т. д.], рациональность и отказ от излишней декоративности. Каждый элемент конструктивизма должен обладать логичностью и иметь свое место и применение, потому что машинное производство не должно бездумно применяться. По сути это отход от изобразительного искусства к дизайну, так как даже картины в стиле конструктивизма больше напоминают плакаты и обложки. Художники ставили на первое место идеи и процесс создания, таким образом желая преодолеть страх перед тотальной властью машин. Из интересных способов доказательства смерти живописи можно привести в пример вторую выставку ОБМОХУ [общество молодых художников] в 1921 году. Там Родченко вывесил три холста, раскрашенных в три основных цвета, и все это на фоне «пространственных конструкций». Конечно, такая простота осталась незаметной на фоне
Конструктивизм.
«Художник делает осязаемым мир внутри своих полотен, несуществующие детали быта каждого человека, оторванные от жизни, становятся значительными, попадают в наше поле зрения, обращая на себя внимание, которого не удостоились в реальном мире».
В том же 1921 году была образована группа «обжективистов», в состав который входили Древин, Попова, Удальцова и Веснин. В отличие от конструктивистов, они не пытались отказаться от прошлого живописи, «а старались вырастить свою более человеческую концепцию создания „организма“ в пространстве и на плоскости». То есть главной задачей такого искусство заключалась в превращении «плоской» живописи в предметную, объемную.
Сам термин «обжективизм» появился из творчества Давида Штеренберга, который придерживался концепции фетишизации предметов.
Обжективизм.
Наиболее яркими представителями русского экспрессионизма можно считать Наталью Гончарову и Марка Шагала. Гончарова продолжила развитие своего эмоционального стиля живописи, объединив приемы примитивизма, кубизма и фовизма. «Гончаровой была свойственна как определенная „фовисичность“ — открытость, звучность, чистота, динамичность цвета, так и „экспрессионистичность“ — такое драматическое напряжение, такая сила выражения и воздействия, когда фовистская составляющая явно подчинялась экспрессионистской образности». Марк Шагал выражал экспрессию через символические образы, воздушность и специальное неправильное построение, объединяя элементы примитивизма, символизма и экспрессионизма. «Понять Шагала можно понять лишь путем вчувствования, а не путем уразумения». Картина «Прогулка» наиболее отчетливо раскрывает закон жизни и творчества художника — ключ к гармонии нужно искать в себе и своих убеждениях. Смысл картины заключается в метафоре достигнутого счастья и отказа от выбора. Обыграв народную пословицу «лучше синица в небе, чем журавль в небе», где синица — любовь к искусству и своей деятельности, а журавль — парящая в небе жена, художник утверждает о том, что в этой жизни человеку не обязательно выбирать и многие границы кроятся в нашей голове.
Экспрессионизм — [от лат. expressio — выражение].
Классический экспрессионизм возник в Германии в начале XX век и стал реакцией на кризис культурных традиций и социально-политическую нестабильности в стране. Главными особенностями направления можно считать сильную эмоциональную окраску и отражение глубинных чувств автора. Художественные средства экспрессионизма — деформация, диссонанс, алогизм, гротеск.
Также как и во Франции [французский фовизм], экспрессионизм в России имел свой вариант концепции направления — неопримитивизм. Период зарождения [1906−1907] и точка расцвета [1908−1911] совпадают с немецким экспрессионизмом, но сама суть направления и отношение к нему в обществе немного отличаются. Для русских художников было страшно приписывать свое творчество к экспрессионизму, так как сторонники Малевича называли его «синонимом слабости, незрелости». Даже несмотря на это, в работах самого Казимира Севериновича 1930-х годов можно найти черты течения. Такое отвержение чувственной живописи связана с развитием кубизма и материального искусства.
Классический экспрессионизм возник в Германии в начале XX век и стал реакцией на кризис культурных традиций и социально-политическую нестабильности в стране. Главными особенностями направления можно считать сильную эмоциональную окраску и отражение глубинных чувств автора. Художественные средства экспрессионизма — деформация, диссонанс, алогизм, гротеск.
Также как и во Франции [французский фовизм], экспрессионизм в России имел свой вариант концепции направления — неопримитивизм. Период зарождения [1906−1907] и точка расцвета [1908−1911] совпадают с немецким экспрессионизмом, но сама суть направления и отношение к нему в обществе немного отличаются. Для русских художников было страшно приписывать свое творчество к экспрессионизму, так как сторонники Малевича называли его «синонимом слабости, незрелости». Даже несмотря на это, в работах самого Казимира Севериновича 1930-х годов можно найти черты течения. Такое отвержение чувственной живописи связана с развитием кубизма и материального искусства.
Экспрессионизм.
По мнению Филонова аналитическое искусство несет в себе два главных принципа: принцип сделанности и многомерности сюжета картины. Принцип сделанности заключается в технике работы над произведением, который заключается во взаимосвязи органического процесса рождения, становления объекта и его конечной точки, то есть все элементы в итоге должны быть целостными и дополняющими друг друга. Точка — единица действия, то есть процесс работы должен состоять из единичных кратких касаний холста, а в конце задача художника — соединить все в единое целое.
Таким образом, такая методика помогает человеку разглядеть невидимые глазу движения и задуматься об их значении. Филонов называл такие картины «формулами». Многомерность сюжета выражается в изобилии деталей, по новому открывающие идею автора современным поколениям и исследователям. При каждом просмотре зритель буквально видит множество незнакомых силуэтов. Филонов предлагает нам анализировать, размышлять, вглядываться и искать свои смыслы.
Таким образом, такая методика помогает человеку разглядеть невидимые глазу движения и задуматься об их значении. Филонов называл такие картины «формулами». Многомерность сюжета выражается в изобилии деталей, по новому открывающие идею автора современным поколениям и исследователям. При каждом просмотре зритель буквально видит множество незнакомых силуэтов. Филонов предлагает нам анализировать, размышлять, вглядываться и искать свои смыслы.
Впервые понятие аналитического искусства появляется в теоретической работе Павла Филонова «Канон и закон», 1912 года. Это направление в русском авангарде наиболее наглядно демонстрирует приверженность отечественных художников к природному. Противопоставляясь кубизму и футуризму, аналитическое искусство выступает за природу и ее естественные процессы. Именно здесь заговорили о восприятии жизни как органического целого и важности понятия не только формы как таковой, но и ее внутренних процессов. «Пафос филоновской концепции — организм против механизма».
Аналитическое искусство.
Это направление принято относить к позднему периоду творчества Малевича, середине 1920-х - 1935 годов. В постсупрематизме он обращается к собственному прошлому, переосмысляя все пройденные этапы. Одной из причиной этого стал случай в 1927 году, когда часть работ художника были оставлены в Германии, что оставило его без огромной части творческого наследия. Однако, по надписям на обороте поздних картин, исследователи выяснили, что такая связь с прошлым была необходимой частью для того, чтобы уравнять ранний и поздний периоды своей деятельности. Такие “повторения” породили на свет еще более интересные варианты.
В супрематизме Малевич стремился не только к беспредметности, но и к фигуративности, которая выражалась в обезличивании и эмоциональном напряжении образов. Ключевым вдохновением для работ данного течения стал собственный крестьянский цикл 1910-х годов. Пустые, плоские лица крестьян говорят о трансформации общества, новом советском режиме, пожирающим индивидуальность и замыкающим рты. В таких работах чувствуется внутренний надлом автора, усиливающийся цветом. Черный и красный, в понимании Малевича, цвета “высоты чистых напряжений”, а белый — “высшее напряжение цвета вообще”.
В супрематизме Малевич стремился не только к беспредметности, но и к фигуративности, которая выражалась в обезличивании и эмоциональном напряжении образов. Ключевым вдохновением для работ данного течения стал собственный крестьянский цикл 1910-х годов. Пустые, плоские лица крестьян говорят о трансформации общества, новом советском режиме, пожирающим индивидуальность и замыкающим рты. В таких работах чувствуется внутренний надлом автора, усиливающийся цветом. Черный и красный, в понимании Малевича, цвета “высоты чистых напряжений”, а белый — “высшее напряжение цвета вообще”.
Постсупрематизм.
Отдельное полноценное развитие направление рисунка в русском авангарде не получило и стало лишь одним из методов выражения художественных идей. Однако, стоит заметить, что именно рисунок стал наиболее откровенным путем открытия души автора, так как сама природа живописи заключается в особенном восприятии мира и его отдельных процессов. Рисунок приоткрывал необычные стороны творчества авангардистских художников, раскрывая их глубину и разносторонность.
Наиболее распространенными задачами рисунка у русских художников было создание нового мира, обращение к живому, естественному и трансформация формы из неодушевленного пустого объекта в развивающийся организм. В отличие от классических направлений авангарда, рисунок создавался с целью познания собственных возможностей и сил. Словно напоминая работу с психологом, художник высказывался обо всем, что не мог сказать в абстрактном и беспредметном.
Рисунок. Финал бурных исканий.
Футуристическая книга стала новой попыткой авангардистов сломить общественные устои, вызвать эмоциональную реакцию и, тем самым, продвинуть идеи нового искусства в массу, сломить мещанские умы. В данном направление битва шла против традиционных устоев типографской индустрии, привычным понятием книги и ее ценностей. «Футуристы намерены были перевернуть застывшие, консервативные, на их взгляд, представления об облике книги, её предназначении и о способе взаимодействия с ней читателя».
Первым экспериментом и началом направления принято считать сборник стихотворений «Садок судей», изданный группой писателей «Будетляне» и вышедший в 1910 году. Сборник был карманного формата и уже начиная с обложки удивлял подходом: для лицевой стороны книги были использованы дешевые цветастые обои, которые являлись «олицетворением мещанского массового вкуса». Основные признаки футуристической книги было легко вычислить: необычные форматы, малые тиражи, использование неблагородных материалов, нарушения привычных правил расположения текста, отсутствие знаков препинаний, разная высота букв, неровные листы и небрежная сборка. Текст превращали в изобразительное средство, делая акцент на то, что искусство повсюду. Также, излюбленным вдохновением были элементы так называемого народного творчества: лубки, иконы, вывески, заборные рисунки. Такой литературный язык даже имел свое название — «заумъ» или «заумный язык», суть которого подражание естественному и обычному.
Первым экспериментом и началом направления принято считать сборник стихотворений «Садок судей», изданный группой писателей «Будетляне» и вышедший в 1910 году. Сборник был карманного формата и уже начиная с обложки удивлял подходом: для лицевой стороны книги были использованы дешевые цветастые обои, которые являлись «олицетворением мещанского массового вкуса». Основные признаки футуристической книги было легко вычислить: необычные форматы, малые тиражи, использование неблагородных материалов, нарушения привычных правил расположения текста, отсутствие знаков препинаний, разная высота букв, неровные листы и небрежная сборка. Текст превращали в изобразительное средство, делая акцент на то, что искусство повсюду. Также, излюбленным вдохновением были элементы так называемого народного творчества: лубки, иконы, вывески, заборные рисунки. Такой литературный язык даже имел свое название — «заумъ» или «заумный язык», суть которого подражание естественному и обычному.
Футуристическая книга.